Rock and roll, rocanrol o meramente rock es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos estilos de folclore estadounidense (rhythm and blues y el country and western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950.

El vocablo «rock and roll» fue utilizado por primera vez por Alan Freed, pinchadiscos de una estación de radio en Cleveland, que utilizó el término para titular un programa de radio: Moondog Rock’n'Roll Party.

El término rock deriva del término rock and roll, pero hoy día conserva dos significados según la Real Academia de la Lengua Española: un género musical característico y popularizado en los 50 (que se corresponde con la definición de rock and roll y cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll, que sería, por tanto, la definición del género contemporáneo música rock, y que ha cumplido anteriormente el término rock and roll. En la práctica, hoy día existen muchos artistas dentro de la música rock que, sin realizar ese género de los 50, denominan a su música “rock and roll” o se sienten identificados con el mismo. Por otro lado, el diccionario de la lengua española en su vigésima segunda edición recoge el término rock and roll como voz inglesa a modo de anglicismo, sin embargo en el avance de la vigésima tercera edición el artículo ha sido enmendado tomando rocanrol como término en español derivado del inglés.

Por su proximidad en el tiempo, y por que nació cuando la televisión, en Norteamérica, era ya un fenómeno de mansas, el rock and roll es posiblemente la primera muestra de cultura popular plena y totalmente documentada desde su inicio hasta su fin.

Eso no significa que podamos decir cuando nació porque en realidad, no nació sino que fue naciendo, poco a poco, como les ocurre a todas las manifestaciones surgidas desde abajo.

La forma de bailar el rock y el propio vocablo que lo designa rondaban desde hacía décadas en la cultura popular norteamericana cuando, a mediados de los años 50, una forma de cantar y tocar empieza a enfebrecer a los jóvenes que ven en ella la vía para canalizar sus ansias de disconformidad y rebeldía.

Basta mirar algunas escenas de baile del musical Hellzapoppin' (1941) y compararlas con las coreografías con las que las parejas bailaban al son de "Rip it upl", uno de los primeros rock and roll. Si prescindiéramos del audio, sería difícil dilucidar cuál es el lindi hop y cuál el rock and roll, porque ambos comparten la mayoría de los pasos.

Dejando la coreografía a un lado, si nos centramos en la música, el concepto clave es hibridación, sincretismo, mestizaje… y las palabras mágicas para el conjuro el negro rithm and blues y la blanca y sureña Country music. Antes de que las barreras políticas y civiles entre negros y blancos se rompieran en la racista Norteamérica de los 60, los músicos ya habían mezclado su sangre y los géneros comenzaron a fusionarse para crear el rocka billi y el rock and roll y de hecho, por primera vez, para sorpresa de los propios estudios, una pléyade de cantantes negros (Chuck Berry, Little Richard, ) triunfaban también entre la juventud blanca.

Algunos elementos del rock and roll pueden ser escuchados en las grabaciones de blues tan lejanas como de los años 1920. Los inicios del rock and roll combina elementos del blues, boogie woogie, y jazz con influencias de la música folclórica Apalache, gospel, country y western especializado. Muddy Waters muchas veces ha sido acreditado como el músico que “pavimentó” el camino hacia el rock and roll.

Gracias al  movimiento juvenil de los rockers en Estados Unidos y los teddy boys en Gran Bretaña fue posible porque, por primera vez, superadas las penurias de la posguerra, existía en el mundo una generación de jóvenes de clase media trabajadora con renta disponible para comprar una ropa diferenciadora, conducir una moto o incluso un coche, y consumir "su" propia música.

Importancia social

El estilo es una conjunción rítmica que se cimenta esencialmente sobre música negra. La popularización del rock sirvió para que muchos músicos, pudiesen expresarse y llegar a difundirse en medios locales y nacionales. Esa es la historia de muchos rockeros negros, como el mismo Chuck Berry, quien plasma esta realidad en la canción “Johnny B. Goode”, tema que fue el elegido para ser enviado en 1977 en las sondas Voyager, que se enviaron hacia otros planetas y galaxias con datos sobre la existencia y cultura de la especie humana. En el mismo año en que el punk estallaba removiendo conciencias en el Reino Unido, este tema de Chuck Berry cruzaba el espacio en busca de otros mundos.

¿POTENTE ALIADO?

Fue el desarrollo técnico. Por un lado, la televisión, que mostraba por primera vez su capacidad aún hoy inigualada, para cimentar movimientos de masas, por otro los discos a 45 rpm en vinilo, baratos y de buena calidad acompañados de tocadiscos mucho más pequeños y asequibles. Con ellos, la música se trasladaba del salón de la casa y el control paterno, a la habitación de los adolescentes. El trío de ases lo completaba la aparición de los aparatos de radio con transistores, también más pequeños y baratos, que comenzaron a popularizarse en este periodo.

Desarrollo y evolución 

A partir de los años 1960, el estilo ha tenido un importante desarrollo y evolución que se expresó en una gran cantidad de bandas y variedad de ritmos, a los que en términos generales se llamó «rock». Gracias a la influencia de grupos y variaciones de otros países, el rock se convirtió en un fenómeno cultural y musical que se empezó a extender alrededor del mundo.

El rock and roll engloba distintos subgéneros como el rockabilly, doo wop o el hard rock, y fenómenos como el de los Teen Idols o los Girl Groups, estos últimos patrocinados principalmente por Phil Spector [8] y de él han derivado géneros como el heavy metal, el garage rock, el punk rock, el rock progresivo o el glam, y entre todos ellos siguen existiendo elementos comunes provenientes del rock n’ roll. Así, Lennon definió al Glam, como “rock n’ roll con pintalabios”, y a algunos artistas de hard rock o punk como Motörhead o AC/DC, les agrada definirse como músicos de rock n’ roll.

Análisis musical 

En sus inicios y en el estado menos evolucionado, el rock and roll fue un estilo de música sin ninguna influencia blanca,[sin referencias] que se sirvió de las nuevas técnicas de amplificación de guitarra para comenzar a darle el rol fundamental que lo caracterizaría el resto del siglo. Aparte de la guitarra, la batería y el piano fueron elementos igualmente fundamentales.

La progresión de acordes es originaria del blues, es decir, Fundamental - Subdominante - Fundamental - Dominante - Subdominante - Fundamental; pero el tempo es elevadisímo, además incluía arreglos y voces para secciones de metal y coros.

La improvisación también juega un papel dentro del género, utilizando la escala pentatónica con un par de alteraciones, lo que pasará a ser conocido posteriormente como “escala de blues”.

¿Se expresa a través de sus letras.?

El sentido del rock no está encerrado en las letras de sus canciones. A partir de Bob Dylan este aspecto requiere mayores esfuerzos por parte de los creadores y concita la atención de todo tipo de exegetas, pero el rock impacta inicialmente por el sonido, y su contenido verbal tarda en hacerse explícito debido a las peculiaridades interpretativas de los vocalistas, su amor por el argot o incluso la voluntad de enmascarar el posible mensaje. El metalenguaje del rock incluye también actitudes, imágenes, vestimentas, peinados, todo un conglomerado destinado a fascinar a unos y alienar a otros.

¡Debe ser inocente, rebelde y juvenil.!

Pudo serlo hasta los años sesenta, cuando sucesivas olas de adolescentes se asomaban al mundo escudados tras unas guitarras eléctricas y se definían a través de una música visceral. En los ochenta el rock ha perdido su carácter provocador al ser aceptado masivamente: no puede considerarse un secreto exclusivo desde el momento que está presente en la televisión, la publicidad o las películas:

Por otro lado, incluso los que defienden el rock más primario lo hacen insertándose en una tradición y rechazando conscientemente otras fórmulas. Personajes que una vez fueron jóvenes airados: gente como Frank Zappa (1940), Bob Dylan (1941), Paul McCartney (1942), Lou Reed (1943), Mick Jagger (1944) o Bryan Ferry (1945) no parecen dispuestos a renunciar a las posibilidades comunicativas del rock.

Préndete, sintonízate y elévate. ¿Los años 60?

Luego de la decadencia de los primeros ídolos del rock and roll a finales de los años 50, la estafeta la tomaron los artistas de color, quienes a principios de los 60 pusieron a bailar a todo mundo con su sonido Motown, una celebración de R&B, soul y funk.

De esa oleada de artistas se recuerdan, entre muchos otros a The Supremes, The Marvelletes, The Shirelles, Marvin Gaye, Stevie Wonder y el padrino del funk, James Brown, que le dieron un nuevo sentido a la música pop con su frescura y alegría.

Pero bastaría con que la década dejara pasar cuatro años para que un nuevo movimiento, con dimensiones y repercusiones tan grandes como las del nacimiento del género, se presentara. Con la llamada "invasión inglesa" la música británica se hacía presente y, como ocurriría de ahí en adelante, demostraría que a partir de ahí irían siempre un paso adelante a lo que se creara en Estados Unidos.

Entonces el mundo entero vibró a ritmo de The Kinks, The Animals, The Who, The Zombies, The Shadows, The Hollies y, por supuesto, con The Beatles y The Rolling Stones, las dos bandas más importantes e influyentes en la historia del rock.

En tanto, en Estados Unidos la respuesta llegaría unos años después, cuando pasada la mitad de la década el rock ácido y la psicodelia se apoderaría de la escena y traería un nuevo movimiento al rock, quizá el más trascendente y de gran repercusión social y cultural.

Luego de que Bob Dylan decidiera dejar un poco el folk y electrificar su música, una gran generación de bandas estadounidenses empezaron a crear un movimiento que años más tarde, en 1969, desembocaría en la llamada “nación Woodstock”, un festival de tres días de duración que convocó a cerca de medio millón de personas.

De esa generación destacan Jimi Hendrix (considerado como el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos), Janis Joplin, The Doors, The Jefferson Airplane, The Greateful Dead, The Byrds, Country Joe & The Fish, y una serie de grupos provenientes principalmente de la Costa Oeste de los Estados Unidos.

Con el Festival de Woodstock, realizado en Woodstock, Nueva York en 1969, esa generación del "peace and love" vivió su momento utópico, su punto álgido, pero a la vez marcó el inicio del fin, que ocurrió meses más tarde con el concierto gratuito que The Rolling Stones ofrecieron en Altamount, California, en donde un joven de raza negra fue cruelmente acribillado y asesinado por la pandilla de los Hell's Angels, paradójicamente contratados por los Stones para encargarse de la seguridad. El sueño había terminado.

Decadencia, excesos y hedonismo. Los años 70 =(

"El sueño ha terminado". Con esta frase que se incluye en la canción God, de John Lennon, da inicio la década de los años 70 en el rock. Luego del festín experimentado en el decenio anterior, el nuevo no pintaba nada bien y desde el mismo amanecer se daban muestras de ello.


Jimi Hendrix y Janis Joplin, dos símbolos de la generación de los 60, mueren en 1970 a causa de una sobredosis. En ese mismo años, Paul McCartney anuncia oficialmente la separación de The Beatles, el grupo que, como alguna vez dijera Lennon, era casi tan popular como Jesucristo. Un año más tarde, en 1971, Jim Morrison, cantante de The Doors y uno de los principales iconos visuales y sex symbols de la historia del rock, muere también de sobredosis.


Con esos  malos augurios, la primera mitad de la década el rock experimenta su masificación y el establecimiento de la parafernalia visual en grandes escalas en los conciertos. Led Zeppelin reinará a lo largo de la década, y de tras de ellos vendrán The Rolling Stones y Pink Floyd, con espectáculos realmente impresionantes.


El heavy metal, el hard rock y el glam rock se apoderan del gusto de las masas a lo largo de la primera mitad de la década, por lo que grupos como Deep Purple, Black Sabbath, Queen, Kiss, Bad Company viven sus momentos de gloria.


Sin embargo, toda esa masificación, glamour, parafernalia visual y, en el caso del rock progresivo, virtuosismo, aleja al rock de sus raíces callejeras y de rebeldía, por lo que los jóvenes ya no encuentran una identificación y una bandera en él. Es entonces que en los suburbios neoyorquinos surge el punk, derivado del rock que retoma esa rebeldía, acompañada con una dosis de anarquismo, hedonismo y politización, que lo convierten en otro de los momentos trascendentales en la historia del género.


El punk nace en Nueva York engendrado por los ahora míticos The Ramones, pero los ingleses The Sex Pistols lo llevan al extremo. Otras bandas de notoria trascendencia son The Clash, The Damn, Generation X, The Misfits y Black Flag. Así, mientras el rock estaba en una abismo y la música disco reinaba en las listas de popularidad, el último gran movimiento del género se hacía presente.

De todos colores y sabores. Los años 80(mundo hippie?) .

Al igual que su antecesora, la década de los 80 inicia con muertes y separaciones. John Lennon, líder y fundador de los Beatles, activista político y social es asesinado afuera de su departamento en Nueva York el 8 de diciembre de 1980. El mundo entero lo llora, la canción Imagine suena por todo el globo terráqueo y el rock y la cultura popular occidental están de luto.

John Bonham, baterista de Led Zeppelin, muere por una congestión alcohólica el 25 de 1980; meses más tarde, Jimmy Page anuncia la separación del grupo. Bob Marley, máxima figura de la música reggae, muere el 11 de mayo de 1981 víctima del cáncer. The Eagles, uno de los grandes grupos de country-rock de los años 70 anuncian su separación en mayo de 1982, dicen que sólo se reunirán "hasta que el infierno se congele" (cosa que "sucedería" en la primavera de 1994, cuando se juntaron nuevamente).

La década de los 80 se caracterizó por la amplia diversidad de música en estilos, propuestas, formas y estética, gracias al nacimiento de varios subgéneros del rock (new wave, post-punk, techno, dark, electrónico, rap, breakdance, dark metal, new romantic...), que se fueron incorporando a la escena a lo largo del decenio, algunos con características masivas, en cuanto a su exposición, otros más bien subterráneos o alternativos.

Dentro de la primera mitad de la década destacaría un trío británico nacido del punk pero que había evolucionado y transformado su sonido: The Police, que con su mezcla de rock, reggae y jazz se convirtió en la mejor banda del mundo, hasta que se separaron en 1985, justo cuando experimentaban su punto más alto, artística y comercialmente hablando.

Ante la desintegración de The Police quienes toman la estafeta son los irlandeses de U2, que para finales de los 80 ya se habían convertido en el grupo más importante de rock del mundo, a niveles de los grandes como The Beatles, The Rolling Stones, Led Zeppelin, entre otros.

Talking Heads, Simple Minds, The Pretenders, XTC, Men an Work, Madness, The Cars, The Cure, The Smiths, Bauhaus, Depeche Mode, Tears For Fears, OMD, Pet Shop Boys, Ultravox, Duran Duran son tan sólo algunos de los muchos protagonistas de la década.

Un par de años antes de que se extinguieran los 80, una banda de Los Ángeles llegaría a darle una nueva inyección de vitalidad al rock: Guns N' Roses, que con su hard rock, su apariencia entre glam y desaliñada, la personalidad de su cantante Axl Rose y su disco debut, Apettite for destruction, conquistaron el mundo entero.

Entre el cielo y el infierno. Los años 90.

Si en la década de los 80 se experimentó la diversificación, los 90 fueron el decenio de la tecnología en la música en general. La implementación de nuevas técnicas de grabación y el uso de computadoras fueron elementos que se hicieron básicos en la producción musical.

Sin embargo, los 90 empezaron con lo que puede considerarse como el último gran movimiento en el rock: el grunge, que a su vez arrojaría al último mártir del género: Kurt Cobain.

En una situación un tanto similar al nacimiento del punk a finales de los 70, a finales de lo 80 se empezó a gestar en Seattle un movimiento que musicalmente conjuntaba la potencia y fiereza del punk y el heavy metal, e ideológicamente transmitía un mensaje de indiferencia, introspección y aislamiento, ante lo que ocurría en la sociedad estadounidense y en el mundo en general.

De ese movimiento destacaron principalmente dos bandas: Nirvana, y Pearl Jam, pero sería la primera la que marcaría a toda una generación con su tema Smells like teen spirit y su disco Nevermind, pero también por su cantante, Kurt Cobaín, que se convertiría, al igual que lo hicieran en su momento Morrison, Hendrix, Janis, en el héroe y mártir de ese momento al quitarse la vida el 5 de abril de 1994.

Como respuesta, los británicos revivieron aquella oleada de Britpop de los años 60, y en esta ocasión abanderados por grupos como Oasis, Blur, Radiohead, Supergrass, Pulp, The Verve, a mediados de la década le dieron un nuevo sentido y dirección al rock.

De estas bandas, Oasis y Blur fueron las que encabezaron en movimiento, pero sería Radiohead el que a finales de la década dejara uno de los testimonios más celebrados artísticamente en la historia del rock con su disco O.K. computer, en donde consiguieron un admirable equilibrio entre el uso de la tecnología con el rock en su forma básica.

La década cerraría con la presencia de grupos del llamado rap metal como Korn, Limp Bizkit, Deftones, Stain, P.O.D, que a pesar de tener una gran cantidad de seguidores, principalmente en su natal Estados Unidos, no pudieron competir con el pop adolescente de Britney Spears, Backstreet Boys, Christina Aguilera, 'N Sync y similares, que se posesionaría de las listas de venta.

La llegada del nuevo milenio traería consigo otro resurgimiento del rock, con grupos como The Strokes, The White Stripes, Yeah Yeah Yeahs, The Libertines, The Vines, The Hives, que retomando elementos musicales y estéticos de finales de los años 70 y principio de los 80 le regresarían la simpleza, armonía y actitud que había perdido este género que desde que nació estaba destinado a quedarse por siempre, y que ahora a sus 50 años de edad demuestra que sigue siendo un rebelde como en sus mejores años.

HOMENAJE A

Su nombre completo Robert James William Gary Moore  .

 Comenzó tocando en una banda llamada The Boys, pero al poco tiempo, con dieciséis años de edad, se incorporó a Skid Row (no confundir con Skid Row, banda de heavy metal), acompañado por Brendan Shields (bajo), Noel Bridgeman (batería) y Phil Lynott (voz). Éste último abandonaría pronto la banda para formar Thin Lizzy, mientras Moore proseguía con Skid Row; dicho grupo entró en contacto con Peter Green, guitarrista de Fleetwood Mac, actuando como teloneros suyos en varios conciertos. El genial Green quedaría tan impresionado con su sonido que les consiguió un contrato con su propia discográfica, CBS. Por su parte, la duradera admiración de Moore por Green, que recorre toda su carrera, quedará plasmada en el álbum "Blues for Greeny" (1995), que reinterpreta once temas compuestos o interpretados por Green.

Antes de comenzar su carrera solista, aún pasaría un periodo de participación en diversas formaciones. Pero, tras abandonar Skid Row en 1972, graba "Grinding Stone" (1973) con la Gary Moore Band; este ha sido considerado como su primer disco solista. Casi sin transición, pasará a reemplazar a Eric Bell en Thin Lizzy, banda en la que formó un corto espacio de tiempo antes de pasar, en 1975, a Colosseum II, y a la que volvería de forma intermitente hasta 1979. fecha de grabación de "Black Rose". En medio de una gira por EE.UU., las diferencias con la banda de Lynott, su amigo, hacen que Moore abandone de nuevo la banda y forme G-Force. El tema Parisienne Walkways del disco "Back on the Streets" 1978 (segundo en solitario de Moore), llega a la lista top ten en Reino Unido.

Durante la década de 1980 vive una época más tranquila, pasándose al rock melódico, momento en el que consigue su mayor popularidad en Reino Unido con su LP "Victims of the future" (1983). También colabora con él Phil Lynott en "Out in the Fields". En el álbum "Wild Frontier", de 1986, pueden apreciarse ciertas influencias de la música celta. Y en "After the War" (1989) vuelve a sus raíces hard con colaboraciones de Ozzy Osbourne y con el difunto Cozy Powell en la batería.

El álbum "Still Got the Blues" le devolvió a las listas de éxitos en 1990 de la mano de temas como el que da título al disco. Dejando de lado el hard rock, se vuelve más intimista y da un pronunciado giro hacia el blues que, aunque descubierto tardíamente, parece causar una impresión importante y duradera en la carrera del guitarrista, en ese mismo año 1990 que junto con Albert King y Albert Collins dará una serie de conciertos. En 1992 aparece "After Hours", disco que sigue la línea del anterior y que cuenta con la colaboración de B.B. King y Albert Collins, grandes figuras del blues estadounidense. Este disco será la confirmación del giro musical de Moore y le dará un nombre entre los intérpretes de blues británicos.

La década de 1990 transcurre a la sombra de estas grabaciones iniciales y no aparece marcada por nuevos éxitos importantes excepto, tal vez, la aparición en 1997 de "Dark Days in Paradise", una exploración musical tan alejada del blues que venía practicando como del hard rock anterior. También resulta reseñable un nuevo intento de tocar dentro de una formación: BBM. En esta ocasión se unirá a Jack Bruce (bajo) y Ginger Baker (batería), base rítmica del mítico grupo Cream. La colaboración se tradujo en un disco, "Around the Next Dream" (1994), y una gira.

La década del 2000 arranca musicalmente con la publicación en 2001 de "Back to the Blues": toda una declaración de intenciones. En 2007 lanza el que podría ser disco más notable de este periodo, "Close As You Get", que prosigue su acercamiento al blues con temas propios y versiones de clásicos como Chuck Berry, Sonny Boy Williamson II, John Mayall o Son House (de este último es el tema acústico 'Sundown', que cierra el disco).

En el 2002 se embarca en nuevo proyecto, Scars, Formando una banda con la que publica un álbum homónimo Scars, que fue lanzado el 10 de septiembre de 2002. El power trío contó con Moore (voz / guitarra), Cass Lewis de Skunk Anansie (bajo / coros) y Darrin Mooney de Primal Scream (batería).

El disco fue presentado en una estupenda gira por el Reino Unido, que tuvo su culminacion en el Live At The Monster Of Rock, del 2003.

A los 58 años Gary Moore falleció mientras dormía en una de las habitaciones del "Kempinski Hotel Bahía" de Estepona, Málaga, en la madrugada del 6 de febrero de 2011. Según informó la policía española, el cuerpo del músico no presentaba signos de violencia, por lo que no se abriría ningún tipo de investigación. La autopsia practicada al cadáver del guitarrista de rock irlandés reveló que su muerte fue causada por un ataque al corazón.

Su inesperada muerte causó una gran conmoción entre sus seguidores.

El domingo, 6 de febrero de 2011 con tan solo 58 años de edad se apagó una estrella. Nos ha dejado, nos ha dejado uno de los mejores, de los mas grandes e inigualables guitarristas de todo los tiempos, Gary Moore, pero su guitarra blusera reinara en nuestros rockeros corazones para siempre. Hoy recordaremos una de sus canciones mas conocidas, uno de los solos de guitarra mas conocidos de todos los tiempos, hoy recordaremos "Still Got the Blues (For You)". "Still Got the Blues (For You)" es una canción del cantante y guitarrista blues-rock irlandés Gary Moore que forma parte del disco Still Got the Blues lanzado en marzo de 1990. Fue su gran vuelta al blues, su gran regreso a lo que de verdad sentían sus manos y su corazón al tocar. El álbum y la canción también le devolvieron a las listas de exitos de todo el mundo. 

 Sin embargo, el 3 de diciembre de 2008, un tribunal de Munich, Alemania ensombreció la canción declarando que el solo de guitarra del éxito de Moore, "Still Got the Blues", era un plagio de una canción poco conocida (por lo menos fuera de Alemania), publicada en 1974 y titulada "Nordrach", interpretada por el banda alemana Jud's Gallery. Moore siempre negó el hecho de haber plagiado el solo, hasta alego alto y claro que no había escuchado nunca hablar del grupo o de la canción. La canción supuestamente plagiada, no había salido ni en CD ni en vinilo, aún así el tribunal condenó a Moore pagar al líder de Jud's Gallery una cantidad no revelada de dinero por daños y prejuicios, declarando que la canción podría haber sido escuchada en la radio o en una actuación en directo.

http://www.youtube.com/watch?v=G14XtS-B5Bw&feature=player_embedded

 "Still Got the Blues (For You)" es una canción del guitarrista, oriundo de Irlanda del Norte, Gary Moore que fuel anzada como single en el año 1990 promocionando el extraordinario LP que lleva el título de esta canción.

Moore destaca por ser un guitarrista virtuoso, amante del buen blues y un innovador en el sonido de las seis cuerdas. Su paso por bandas como Skid Row (no cofundir con la banda heavy metal del mismo nombre), Colosseum II y especialmente con Thin Lizzy ayudaron a que empezara un llamativo proceso musical en solitario donde navegó desde el Hard Rock hasta el Jazz Fusión, sin dejar de lado su amado Blues, con quien volvió en gloria y majestad gracias a esta canción.

Luego de su fructífero paso por Thin Lizzy, Moore empezó una carrera como solista y de músico colaborador para grandes estrellas del rock. Desde ese entonces empezó a darle duro al rock melódico, y también tuvo una vuelta al Hard Rock cuando, en 1989, tuvo la extraordinaria colaboracón de Ozzy Osbourne en algunas piezas que entraron en su disco "After the War".

Mientras presentaba este disco con un gira por el Reino Unido, Moore tuvo un momento muy especial que marcaría su próximo disco. Se dió cuenta que cada vez que estaba en su camarino precalentando sus dedos en la guitarra antes de entrar a escena siempre tocaba un viejo blues, esos de la vieja escuela de "Capos". "Descubrí que cada vez que estaba en mi camerino, antes de entrar a dar un concierto, yo estaba tocando blues. Para mí eso era un mensaje. Por eso de mediados de 1989 empecé nuevamente a tocar blues " comentó el guitarrista en una entrevista a un medio de Londres.

De esa experiencia, Moore escribe la preciosa melodía "Still Got the Blues (For You)", que estaba marcada por un furioso riff que deja los pelos de punta y que trae todo el sonido mágico de una guitarra bien tratada.

Para esta canción, Moore decidió usar su guitarra "Les Paul Standard 1959", la cuál había comprado en Londres y hasta ese entonces no había sido usada, ya que el guitarrista no la encontraba muy apta para tocar Hard Rock.

Pero en el momento de grabar "Still Got The Blues (For You)", Moore decidió usar esa guitarra ya que por su sonido estaba lista para ser usada en un blues, e hizo el primer ensayo en su habitación junto a un grupo de amigos. Luego de interpretarla y recibir buenos comentarios, pescó su guitarra y partió al estudio de grabación, donde estaba trabajando su próximo disco, y en una sola toma grabó esta canción. "Grabamos "Still Got The Blues" en directo y en una sola toma;. fue realmente un día espectacular que nunca olvidaré " mencionó el músico en una entrevista con la revista Vintage Guitar.

La canción llegó al puesto #97 del Billboard Hot 100, mientras que en le Reino Unido logró escalar al casillero #31 del Uk Singles Chart. A pesar de esas clasificaciones, "Still Got the Blues (For You)" fue la mejor promoción para ese disco, con el cual logró entrar en los primero lugares en cuanto a ventas. Todo esto gracias a su experimentación tardía con el blues...

"Still Got the Blues (For You)"tambien estuvo dentro de una polémica. Es que a finales del año 2008, un tribunal alemán dictaminó que el señor Gary Moore había robado el solo de guitarra a una canción, que data del año 1974, llamada "Nordrach" y que pertenecía a la banda alemana Jud's Gallery.

Tras escuchar ambas canciones y analizar las partituras, el tribunal ordenó a Moore y a su sello discográfico a pagar una suculenta multa, por derechos de autor, al señor Juergen Winter, quien fue el que hizo la demanda y además escribió esa canción cuando formaba parte de esa prestigiosa banda alemana.

Les dejamos esta gran canción que nos dejó el gran Gary Moore que hoy, 6 de Febrero, fue encontrado muerto en su habitación de un hotel de España bajo extrañas circunstancias que aún no han sido informadas.

Este es un homenaje para él, un guitarrista muy importante para la historia del rock y un personaje muy influeyente para muchos aspirantes a músicos que quedan "locos" con sus extraordnarias piezas musicales.

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&feature=related&hl=es&v=lqAuuIDU2sw 

 http://www.youtube.com/watch?NR=1&gl=ES&hl=es&v=18FgnFVm5k0

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&feature=related&hl=es&v=J6oDdgrbmeE

http://www.youtube.com/watch?NR=1&gl=ES&hl=es&v=GuJP4tdlImI